Narrativa de Artista
A la edad de 81 años, después de toda una vida dedicada a la pintura, he logrado la perspectiva suficiente para comprender las interrelaciones entre mis experiencias personales y mi obra, así como las conexiones entre mi trabajo, el mundo del arte contemporáneo, la ciencia y el mundo de la naturaleza. La música, desde los sonidos del organillero en las calles hasta la música clásica en nuestra Victrola, fue mi primera inspiración. La forma y estructura musicales, transpuestas a la luz y el color, son el principio organizador fundamental en mi obra. La danza fue la fuente principal del flujo rítmico del movimiento y la línea. El desfile y la ceremonia, desde las marchas del Palo de Mayo hasta los rituales mayas en México, fueron motivos fundamentales. Las aves, los árboles, las montañas y el movimiento de las olas del mar expresan mi afinidad con las fuerzas de la naturaleza. Las formas abstractas que surgieron de mi infancia — el círculo, el cuadrado, la espiral, la cruz y las curvas opuestas — siguen siendo símbolos elementales. Las grandes obras de arte son el núcleo de mis creencias.
Comencé a dibujar a los cinco años. Mis padres, judíos rusos, poseían un rico patrimonio cultural y una profunda apreciación por las artes. Estudié piano, asistí a clases en la escuela Denishawn cerca de nuestra casa y asistí a presentaciones de Pavlova y Martha Graham. Los sábados, mi madre llevaba a mi hermana y a mí al Museo Metropolitano de Arte, al Museo de Historia Natural, al Museo del Indio Americano, y a los zoológicos y jardines botánicos. Para cuando era adolescente, ya visitaba el Museo de Arte Moderno.
El multiculturalismo de la Nueva York de principios de siglo se concentraba en los edificios de apartamentos donde vivíamos. La Cooperativa Sholem Aleichem, construida por las Escuelas Culturales Yídish Sholem Aleichem cerca de Van Cortlandt Park en el Bronx, ofrecía conciertos, recitales de poesía, presentaciones de danza y conferencias de importantes intelectuales judíos y pensadores políticos. El escultor Aaron Goodelman tenía su estudio en nuestra cooperativa, y un grupo de nosotros nos reuníamos allí para tomar clases de dibujo. Esta atmósfera de aspiración y lucha nutrió el florecimiento de la experimentación artística. Mi creatividad floreció en un mundo cultural bañado por la maravillosa luz de Nueva York.
Cuando obtuve una beca para la Escuela de Arte Metropolitano a los 17 años, ya buscaba los medios para expresar mi individualidad, lo que explica mi temprana rebeldía. En la clase de figura, el dibujo se basaba en el uso de la silueta, la luz y la sombra. Como ardiente estudiante de Cézanne, rechacé este método. ¿Qué pasaría si la luz cambiaba? En cambio, exploré la relación entre estructura, movimiento y volumen.
Mientras mis instructores se adherían estrictamente a un sistema de color basado en el Impresionismo, desafié el uso rígido de colores específicos en contextos específicos. En el retrato, por ejemplo, se usaba siempre un rosa púrpura pálido bajo el mentón, sin importar si uno lo prefería o si el modelo realmente tenía un tono púrpura.
En el Instituto Master del Museo Roerich (ahora Museo Riverside), mi maestro John Graham, recién llegado de París, me ofreció una excelente formación en dibujo de figura. Aprendí a dibujar sin levantar el lápiz, observando al modelo y no el papel. Graham predijo un futuro brillante para mí. Posteriormente, busqué una instrucción más objetiva bajo la guía de A.S. Baylinson en la Art Students League. En las clases de Baylinson, ningún estudiante pintaba igual ni imitaba el trabajo del instructor. Su enfoque en la composición, el color, el movimiento y la forma fue de ayuda invaluable. Baylinson me guió hacia mi camino actual.
Como monitora en la Art Students League, recibí matrícula gratuita. Más tarde, apoyé mi educación trabajando como acomodadora en el Civic Repertory Theatre de Eva Le Gallienne, donde tuve la ventaja de ver todas las producciones y aprender más sobre teatro.
Mientras trabajaba como acomodadora en el Theatre Union, vi las principales obras de dramaturgos de izquierda de la era de la Depresión. Gracias a mi certificado en pedagogía de la Universidad de Fordham, conseguí un trabajo como maestra de arte en un asentamiento de la WPA en Hell's Kitchen. A.S. Baylinson fue mi supervisor. (Más tarde organicé clases privadas de arte para estudiantes individuales y grupos). Después de dos años en el Proyecto de Enseñanza de Arte, fui transferida a la Sección de Gráficos y Dibujo de la WPA. ¡Podía pintar a tiempo completo! Como solo parte de mi trabajo debía entregarse al proyecto, tuve la oportunidad de pintar y tomar clases adicionales en la 92nd Street Y y en cursos patrocinados por la WPA.
En el punto álgido de la Depresión, abrumada por la pobreza, el hacinamiento y la decadencia urbana de Nueva York, comencé a explorar nuevas estructuras, formas y temas. Mis pinturas, grabados y acuarelas representaban la zona portuaria del centro de la ciudad y a las personas que vivían y trabajaban en los muelles. Pinté a mujeres trepando enormes montones de carbón para recoger combustible desechado en lotes vacíos. Aunque estaba impregnada de la miseria de la época de la Depresión, mi obra era distinta de la de los Realistas Sociales. Refugees [diapositiva 1], basada en bocetos de personas del campo que vi en un viaje a Carolina del Norte, representa mis primeros pasos hacia la representación de un evento ceremonial observado, el precursor de mi tema procesional.